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Long before being an artistic practice, Raffaele Cioffi deeply conceived and lived painting like a decisive event of his own life.
I’ve been a precocious witness of his passion as he was one of my students in the course of the History of Contemporary Art at Brera. I can perfectly remember his predilection for Rothko and Newman, whose art would leave an evident trace in his younger works. Almost all his paintings till the beginning of 2000 are based on the conviction of going ahead not only with painting but also with its reasons, by showing somehow its sense, its reflections and its reprocessing.

In those years, more than 10, Cioffi confronts themes, consciously or not, but I would say with awareness, corresponding to his series of paintings bearing the title of Video, Prospettiva, Prospettiva interiore (Videos, Perpectives, Inner Perspectives) and in these works, as I said before, he shows the sense of the problem faced. I don’t consider, in fact, this painting as abstract but rather oriented to the description of the events which are partially related to physical phenomena and partially metaphysical, exactly because this painting declares topics visually developed. The survey seems to be completed along the border line that distinguishes the two phenomena, by succeeding, however, in converging and transforming this experience into allusive images that mark out this period. Obviously these are not banal representative images but intentional ones and, in this case, ideal executions producing images. Mental images plunged in a phenomenal vision and, therefore, made discernable to a wider sensory range. The works entitled Prospettiva and Prospettiva Interiore (Perspectives and Inner Perspectives) are clear examples of this situation; in these works a form in perspective actually appears in the pictorial space made of light and colour.

This form and its different expressions, that occupy many of Cioffi’s works, are the pictures of an idea not only abstractly ideal but concretely plunged into a processing of pictorial actions.

What’s left from those series called Prospettiva (Perspective), even after and untill his most recent 150 works, is the actual sense of the survey which Cioffi is interested in, the research of an internal dimension of the painting, the penetration beyond the veil of the surface in order to reveal the spatiality and lights that metaphorically reflect the digging work in the artist’s soul. The perspective is actually to go farther into a place reachable through appropriate means to a two-dimensional representation. To this end, there is an explicit reference to Fontana , especially in some works from 2003 where the cut was however reabsorbed by painting. The laceration and the willing to go beyond the limits of the canvas, which was essential for the author of Concetto Spaziale (Spatial Concept), are processed like pictorial signs and brought to a break-through that doesn’t come out of the painting but goes ahead within it. This reference doesn’t intend to start a controversy but is used to further assert the territory of this experience and its dimension, that is completely inside the pictorial act.

It must be clear that Cioffi’s strong ideal tension is not dissociated from the painting practice. He finds the reasons of his engagement exactly from painting. If somehow transcendental indications come out in this practice and in the reflection following it, this is an opening that can be freely interpreted. It is always possible to trace signals from art, going beyond pure technical and historical information and esthetical theories and plunging into the emotional field that includes the intellectual emotion and the spiritual implications, which are the subject both of the interpretative proceeding and of the meanings given more or less by the artist to his works. If in my critical vision I try to avoid to cross the literal and hypothetical borders, it doesn’t mean I don’t feel the possibility of this conjecture.

Untill 2003, Cioffi felt the need to affirm and to confirm to himself that inner pulse that had become a meditated belief during the years in the unspent and maybe inexhaustible depth of painting. The works painted in the following years don’t present that affirmative urgency and they can go through colour without any condition. Chromatic and bright variations flowing just under the surface, without drowning or the impulse toward the inner, as repeatedly done in the previous paintings as seen in the Prospettiva the image of an inner pulse.

After two years, starting from 2006, in particular in the smaller works, Cioffi started to introduce a different and somehow unexpected subject. In the usual uniform spreading of colour, some presences of matter begin to surface. An unexpected materiality, if we think about the dematerializing aspects and the spiritual component of Cioffi’s works, but less unexpected, on the other hand, if we consider his attention to the physical events, which I personally highlighted at the beginning. Somehow the bipolar situation of the 90’s has now been suggested again, between the surface and the depth of the plan, but if in those canvases inner perspectives and planning seemed to dialog with a substantial pictorial attuning, in this new circumstance the contrast explodes in a much more evident way.

The colour is again the absolute star and here it reveals one of its different natures, by appearing here, in fact, in its condition of matter. The real substance of painting emerges near a set up that keeps the flat features in which lights and shadows alternate. Not the created or illusory images but the image of himself in the original state. The chromatic blend, compressed on the canvas, opens and reveals itself through the movement that leads it. An action without any uncertainty but even any uncontrolled gestural expressiveness, each time the colour reveals in the major or minor variety of the elements that it contains. The artist often compares in the same canvas the presence of matter, and he sometimes prearranges the surface in two separate fields in order to have different events under the same glance.

This new phase in Cioffi’s work, which is still going on, explores the painting from inside, through an opposite procedure to the initial one of the 90’s. He left the path to the enclosed depths of the surface and he now takes from inside of the colour the matter that generates it. What is shown in recent paintings is the surfacing and the revealing of a reality already present but concealed by a different use of the techniques and, practically, made invisible. A decisive substance, now put in the foreground, goes beyond the material presence of the chromatic blend in order to get, once again, those suggestive hints of a further sense beyond the pure mechanics of the happening. A recall, even in the most recent paintings, that asserts itself with strength, in this case by occupying the entire scene. This a further revealing phase than confirms Cioffi’s willness towards painting. Kant said that “… the space, the intention of the external sense, is an inner way of representation” and this seems to belong to those aspects of the knowledge this artist is interested in.

I think that, in this sense, we need to look for the original value of the paintings we are talking about in the emotion and in its importance in building a method of representationThe emotion doesn’t come from theories and cannot be learnt through an external teaching but it has to be internally lived.

It is a painting, then, that looks at the world but extends it and represents it in its own deepest emotional space.

Artists, as they trust completely the inspiration of their artistic vocation, should never disregard nor betray the sense of their actions and their research and, by showing an affection and a fidelity to their own poetry and their own language – even to the unpredictable variations and tendencies that may come out – they need to connect themselves to their individual thinking and painting. Through the assiduous practice, that goes along with the urgency of communication of their soul, the singular individualism of Art shows a particular feature.

If we talk about Painting – in this specific case we are obliged to capitalise the word – we can find this total devotion to their own work only in a few artists: with exception to the great masters who are still considered as guides for their path of experience extended in time, today the new generations of artists get lost in sweetening distractions of a sleek and fashionable world.

Their painting – and we go back to not capitalising the word – gets lost in an absurd mutual alternation where everybody tries, with little and unimportant differences, to emulate the one that at the moment (always ?) deserves the favour of a general and superficial attention. Unfortunately the orientation is more and more often traced not by one’s own emotions but by what is believed to be successful and in fashion, even though it’s not very clear where the fashion goes…

The – young – artists don’t often talk about their works, art or their language or about the deepest meaning of their poetic survey, but they talk about galleries, the market, coefficients and speculation.

Their statements debase in the general mercantilistic decline of this time. We need to recover the sense of acting, of practicing and making Art. The real sense of an innate practice, a gift to be expressed but also an action to be respected and that we need to think about. An action that has to mature through time.

Raffaele Cioffi is an artist who doesn’t betray his mission; even though he belongs to the new generation of young but mature and committed artists, he never passes over the obstacle of reason by repeating an empty virtuosity but he pays attention to his vocation for painting, he always looks straight to and into his Painting. Painting again capitalised. If we think about him and his work, we could talk about a painter in the old style. Not for the subjects of his works but for his aptitude, for his forma mentis.

I’ve often met him during the preparations for this personal exhibition and never outside his studio: with a fresh painting on his easel, some others to be finished, our words cannot help finding themselves in a different time – or too distant – from meeting in the presence of one of his works. Our dialogue takes place in presence of its object, with no digressions. Painting is always the statement, the principle. Painting is conceived as the first urgency.

It’s not very difficult to find the strong character of his painting: Cioffi shows in each work the totalizing value of a complete attachment to the practice and more strongly, explaining the matter through his own language, the binomial canvas-colour is again the only means that express not an empty repetition of a tired motif but a happy meaning by which the chromatic universes of his own visions open wide and reveal themselves.

In colour and its unlimited combinations Cioffi finds the space where he puts the bursting energy of his poetry; the passages of states and the hidden variations of each shade can raise and section the visual potential of an abstraction that doesn’t want to be a symbol but a meditation. The colour shrinks and softens in numberless passages of shades, it becomes less dense or hardens, it clots and decomposes in transparencies and glazings, it wanders in spaces and places otherwise imponderable. It goes into a world that bypasses the glance, both physical and mental, in order to render explicit its visual process. The interior, the unit that generates the superficial happening, reveals the potential secret of the colour that in Cioffi’s painting cannot be other than the substance of the emotional research hidden in the depth of his works.

It seems a spatiality that goes over the two-dimensional shape of the canvas exactly into the digging, that could even become emersion, of the pictorial dermis. He doesn’t exclude from that the natural means of painting: we find again the wisdom of light, the practice of the substance, the knowledge of colour alchemy but the terms of their poetical suggestion urgent to express and to answer the experience that by now becomes the foundation of that emotional and cognitive growth we can see in the action of the provoking principle. The work is the infinite horizon of the recounting.

The happening and the end of each work of the plausible and inexpressible world strengthen a process that makes the reciprocity of rationality symbiotic to irrationality, the automatism to the what is involuntary. The incidence of the vision of his Painting stays in declaring its sense in a moment that almost escapes every entirety of the logic: if his research is made in trying to control the formation of the colour, the colour, by eluding every interference, keeps on trying to strongly affirm his independency. In the same way the observer looks for a relationship, an intuition that could approach him to a far away sense from his truth and forces a new and deeper reflection.

There’s no order or grade established in advance but the reciprocity of the tensions, in which the pigmented substance becomes a means of exchange, keeps on growing in the autonomous and instinctive contaminations. Cioffi’s painting reveals a biological and under the skin imponderability: this is the exploration of a longing and eager dissection of the operating chemistry turning into intellectual actions.

The living and pulsing substance of the colour puts into concrete form the mixing of bright grazes of a way of feeling that, before being physically and physiologically perceived even if it is born and germinates in a comprehensible and sensitive field of life, probes the boundless field of mind, that means the indefinite world. The hidden mystery of what lays above the form.

The real Painting – not the one obscured by the mere outward appearance, with no need to get confused or lost in quotations (Cioffi is however a great connoisseur of the History of Art and of its main representatives and their experiences) – finds a genealogy of its own affiliation and is always open to the derivation of the other. If Painting remains a place physically limited by the canvas, Cioffi starts a harmonic coordination by seeing, exploring, surveying every member, every fragment, every particle of his works; he brings his mind to a higher level.

The happy rise of these thoughts, the will of investigating the restricted macrocosm of phenomena that, in the balance between what is physical and metaphysical, real or apparent, between the experience and the intuition, mould like actions involving the observer’s sensitivity.

This is a Painting that reaches what is timeless and boundless and finds its total freedom in making spaces of contaminated expressions that stimulate the attention and revive the vision and steps up the application. Cioffi’s art is regenerative and conciliating for men and their minds.

After due consideration, we must admittedly talk about Painting, the real one.

It’s a matter of principle.

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Ten years ago I wrote a song, as a suite, entitled “Le vie dei colori” (Colours’ roads). The history of a lonesome journey of a man (and of every man) searching for himself, through truth and beauty. I found those colours’ roads in Raffaele’s works. Roads, tracks, meadows, rivers, courses, railways, canals, tracings, paths, lanes which show and paint the eyes’ path and guide the heart’s trip.

Moving routes and trajectories for our steps stopped to stare those rays of paints, those falls of dyes, those chromatic rains, those vertical rainbows, light and colour in a game of transfers from an ancient palette to a modern canvas, where the very same canvas remains a palette. Like a musician, Raffaele composes his score of notes and pauses, of sounds and silences, of rythms and sequences, of timbres and intervals, of scales of high and low notes. Like on a harp cords or on the many-coloured keys of a xylophone. Dreaming charms clinging on walls like clothes of poetry, like flags of fantasy. Raffaele chose the most difficult way by renouncing to pictures, shapes, themes, meanings and by venturing in the barest emotion. Thus, by getting lost on the colours’ roads, he searches and finds his own road to the colour where he accompanies himself and where we can meet him when we hunt for beauty and truth.

“…Continuum…”, like a development with no interruptions, where space and time get combined.
“…Continuum…”, like a slow movement, made of barely  visible metamorphosis of light and colour. ”
“…Continuum…”, like something intangible, between the appearance to the presence and the persistence of a hidden and nearly secret life.
“…Continuum…”, like the awareness of the “continuity” of a tradition, the tradition of painting which doesn’t necessarily have to be new or amazing.

Through the name “…Continuum…”, Raffaele Cioffi identifies his recent work and pinpoints a trait of his art emphasized in his paintings produced between 2003 and 2005. In the last page of the catalogue describing his personal exhibition held in Chiostro di Voltorre in 2003, there was a painting whose title referred to the following year (Continuum 2004) and that metaphorically opened or announced this new set of art works, by anticipating a link to the new phase of his production.

So, maybe considering the new phase now accomplished, he feels the need to place a new word or a new image to conclude a speech developed through a remarkable number of art works, of several dimensions and different features.

What is the difference between these paintings and the ones coming immediately before?

There’s above all a different conception of the internal movement: this was previously interrupted, broken, based on the appearance of elements of a sudden opening as it was in the set of works called “Prospettive Interiori” (Internal Perspectives); the movement turns then to an absence of solutions of “continuity”, basically open beyond the bounds of the canvas, based on a strong sensation of bi-dimensionality.

Maybe the margin is not extremely pronounced, as the background aims to give a sensation of space-time created  inside the painting and on the surface, by keeping trace of the intervention both on light and colour, where the  “abstraction” is an internal and intimate dimension of the  pictorial gesture, completely expressed through the immediate appearance of its instruments.

In his letter-style text, addressed to Cioffi in occasion of his exhibition in 2003, Marco Meneguzzo rightly pointed out how “interesting” was Cioffi’s attempt “…’to heal’ Fontana’s cuts”. This may be the starting point to consider once again what kind of space-time arises from Cioffi’s art and therefore from his recent works, which come back to this theme not in an explorative or intuitive way but through the repetition of the daily practice.

Whereas some light blades, appeared in the previous canvas in the so-called “Prospettive Interiori” (Internal Perspectives) cycle, seemed to refer precisely to Fontana’s cuts, by nearly ruling out the essential assumption – to be an example of Another space of the canvas, or the canvas constituting a visual and palpable fragment of it – the absorption of vertical signs, modulating the light inside the chromatic sequence of this other set of art works, takes for granted the complete “return to the canvas” as to that model. Actually Cioffi never gave up his painting and his instruments; he obstinately defended them but he couldn’t avoid to compare himself to those who conceived the painting as an introduction to other experiences, based on the space itself.

Going back to the canvas as a metaphorical space could  therefore seem reductive but it denotes an attempt to find  further reasons in it, defining themselves through painting explained as purpose in itself and moreover to its representative form. Healing Fontana’s cuts could mean to seek refuge inside the painting, no more conceived as a creation ground; nevertheless without looking for a challenge with  different ways in order to go beyond the visual dimension of the object-painting. Cioffi implicitly goes ahead into the  spatial and temporal dimensions of the “continuity” denoting his way of learning something out of that lesson, without   feeling dependent or being conquered by the revolutionary or millenarian side of the prophecy of a space-time unity  obtained through scientific researches or technological innovations.

Far away from the synthesis between artistic and scientific languages made by Fontana, the space-time “continuum” recalled by Cioffi concerns the canvas surface, with no  allusion to a space of depth or of perspective but basically conceived as vertical gesture on a horizontal development: this process comes back to some procedures used by Cioffi for the first time in some paintings of large dimensions in the first half of the 90’s – “Intorno al Blu” (Around Blue) – for which Cerritelli explained how “Cioffi deeply loves also the   dilatation that can suggest the horizontal dimension, that means the colour’s relax, the prolonged extension of the view to light fields that conceal and reveal underlying visions…” (C. Cerritelli, Il volto dell’anima, in Raffaele Cioffi, Bollate, 2001, p. 21).

As taught by the history of painting of the latest decades,  bi-dimensionality develops itself, through this methodical insistence, on a strong verticality that affirms the “presence” of the light-colour zone in the boundless dimension, without the need to create or define the shape.

On the other hand, geometry is absent, virtually torn out of Cioffi’s recent works, as it could interrupt the sense of space-time continuity to which this cycle belongs. In order to further qualify his works, in addition to the variation of changing colours, of the bright shades which match through harmony or barely through contrast, the artist resorts a strategy ever used by painting and looks for a balance between sections, not necessarily for a narrative aim: that is the strategy of  composing diptyches and polypytches, by strenghtening the chromatic changes, by allowing to find a harmony between two, three or even several sections drawn near in continuity, combined by either finished or left open rhytmic stresses.

Overall, in his recent larger size  paintings, it seems as if the starting point and the finish point, from left to right or vice versa, would express an internal logic, even though one may think it’s an unaccomplished path that could move towards endlessness. The short white or light pauses seem to recall once again those true blades of the previous works but now they totally belong to the surface, completely absorbed in an unitary development.

During this working phase of Cioffi the elimination of every diagonal sign or element different from the verticality  reduces and almost deletes the dynamism and the sense of an internal movement. Everything breathes in a sort of a repetitive continuity which aims to calmness or to stillness, even though this couldn’t really take place, as it occurs in several assumptions of monochrome. Therefore, compared to other forms of the absolute or “analytical” painting, the speech acquires, in a weaker way, some philosophical or mental qualities, as Cioffi is interested in the visible trait more than all the argumentation about it, as described by Claudio Cerritelli in the most exacting text about this young artist’s work.

His painting is sensitive and refers first of all to senses, based on visual qualities touching perceptive features, through his natural bent to gather the quality and the presence of the colour that coincides with space. In a group of his recent works, he dares to recall some visual and chromatic qualities of the four seasons, maybe through a rather simple  characterisation with cold and warm colours differently mixed; but in many other occasions, this kind of didactic estimation of the tone and of the colour is not so immediate, rather showing, in some of the most exacting and  independent paintings of his latest work, internal contrasts which produce a visual blow based on a sense of breaking off or rather suggesting a dialogue whose tones are tense like notes of a bold musical composition.

Brightness and evidence of the practice on the colour brought to its immediate surface quality denote an attitude far from the usual risk of decorativism or that of repetition exactly because, in the same way, further possibilities arise, breaks of the rhytm that bring out a sense of continuity rather than denying it.

According to a somehow classic research of measure, through these works Cioffi denotes the relationship with  a valid and rooted tradition of a solid and completed  abstraction. Rather than going towards experimental  assumptions and being aware of his forming, after devoting his time and energy to this journey inside a colour with no dimensions, Cioffi maybe feels the need to come back to the structures and the consistence of a form, to its shadow, to  its dullness, in order to find further metaphores to build a coherent pictorical architecture, even if it is unpredictable and subject to inevitabile openings and changes.

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1. Le porte del silenzio, la coscienza del colore (1989-1993)

Come in uno slancio verso uno spazio sconfinato la ricerca di Raffaele Cioffi offre i primi segnali di luce alla fine degli anni Ottanta, con un gruppo di tele che si staccano dalle forme figurative che costituiscono l’approccio iniziale della sua pittura.

Come avviene in questi casi, il periodo di formazione di un giovane pittore è sempre un laboratorio istintivo di forme che si accavallano, di ipotesi che si rincorrono, di progetti che si sviluppano  prima di giungere ad una convincente scelta di campo.

Quelle che possono essere considerate alla base del pensiero creativo di Cioffi sono tele dedicate alla meditazione e al silenzio, spazi adombrati che lasciano intuire la presenza di un mondo sconosciuto che sta oltre il meccanismo del vedere, e da quel punto lontano non si lasciano esaurire in significati banali, esigono un’attenzione problematica, un avvicinamento complesso.

Si tratta di immagini pensate come porte dell’immaginazione, soglie dello spazio infinito che la vertigine del pensiero afferra lentamente, seguendo quel perimetro di luce che definisce e, nello stesso tempo, le lascia svanire fermando  la visione su se stessa.

Il colore di queste opere  dialoga con la porosità della superficie, costituita da veli di carta incollati sulla tela, quasi per trattenere in modo sempre diverso il pigmento che ammanta e rivela la materia.

Il segno delle pieghe, la leggerezza delle trasparenze, l’allusione materica delle increspature, la struttura apparentemente razionale dell’immagine: sono questi gli elementi sensoriali che  suggeriscono, la dimensione instabile dell’immagine, i movimenti della sua totalità e, insieme, il valore dei suoi particolari attributi.

L’occhio è invaso dalle penombre della luce, si confronta con la dimensione del non conosciuto, non sa dove risolvere la propria ansia di conoscenza, se non in quei movimenti della superficie che la segnano in modo impercettibile, oscillando da un punto all’altro senza rappresentare altro che l’inquietudine della materia.

In questa ricerca di silenzi che nascono all’interno di minime gestualità Cioffi è attento ai valori essenziali dell’immagine: la struttura della porta si articola su tre lati suggerendo una cornice che offre profondità, sospensione, equilibrio. Oltre quella soglia sta tutto lo spazio che la pittura contemporanea ha sognato di poter vedere, captare, stringere a se come materia evanescente, come estatico sprofondamento verso le origini della visione assoluta.

Certo è che Cioffi, come altri giovani pittori della sua generazione, coltiva il mito di questa procedura infinita che sta nel nascondere la materia cromatica per evidenziare la forma, nel nutrire il territorio dell’ombra per lasciare emergere ogni volta la luce, e far cantare il colore in campo aperto, senza limitazioni.

Inoltre, alla base di questo sentimento della pittura sta l’idea di origine intorno alla quale agisce e reagisce il valore del colore come evento primario, non soggetto ad alcun luogo, sovrano di tutti i luoghi possibili. E’ un colore che intende essere assoluto, un colore che attira intorno a se ogni possibile esperienza del vedere, dal percepire le risonanze del mondo circostante al disgregare ogni traccia del reale nell’abbaglio di una luce irreale. Di fronte ad essa non si avverte alcuna presenza specifica, solo un senso di sprofondamento.

A questa dimensione del colore infinito (che fa pensare a Matisse e Klee, a Newman e Rotkho ma anche a chi tra gli italiani ha amato il colore della pittura antica come Turcato, Bendini, Olivieri) guardano tutti i pittori che frequentano il sogno di una luce che si estende nella coscienza dello spazio incommensurabile, nella consapevolezza di una radicale diversità della pittura da ogni forma riconoscibile, da ogni luogo circoscritto, da ogni linguaggio quantificabile.

Cioffi si è subito posto su questa via difficile, il cammino dell’astrazione come sfida nei confronti delle apparenze, delle piacevolezze, dei clamori cromatici che lusingano le attese di chi rinuncia alla libertà d’immaginare e si appaga del fatto spettacolare.

Cosi’, se è vero che per il nostro artista l’esperienza del colore si congiunge sempre al silenzio, al percorso spirituale che trascende lo spazio medesimo in cui si colloca, egli fa tuttavia in modo che la sensualità del suo volto non sia mai trascurata perchè la visibilità della luce nasce dalla corporeità della materia.

In “Trinità”, 1991, ed in diverse opere dello stesso periodo, il valore della pittura si fa esplicito con evidenza tangibile: le colature di colore, il profilo frastagliato e quasi contraddittorio delle forme, le stesure verticali sempre diverse costruiscono un percorso di sensazioni visive che il pittore sente come  ascesa spirituale.

Questo termine è vissuto in senso laico, indica una ricerca di tensioni spaziali, di tagli visivi al limite dello spasimo, di spiragli di luce sentiti come squarci di materia che sono il nutrimento primario della visione, ciò che le permette di farsi sorgente di impulsi vitali, di trasmutazioni che vanno, appunto, dal fisico allo spirituale.

I fasci di colore verticali sono direzioni per oltrepassare i limiti del reale, orientamenti verso un mondo “altro”, strutture per assumere l’energia del vuoto come trascendenza dell’essere.

C’è un aspetto grammaticale nell’affrontare lo spazio della superficie che Cioffi, in questi primi anni di lavoro, non riesce sempre a decantare, lasciandosi talvolta irretire nella logica del progetto e nella struttura analitica del fare, aspetti tuttavia necessari al possesso del linguaggio. A mano a mano che la pittura cresce su se stessa si avverte la volontà di trasformare la prassi dell’opera in un accadimento che riserva sorprese, ampi margini di manovra al gesto che mette e toglie materia, rivela i segreti del dipingere e porta lo sguardo oltre.

Ciò che il pittore sente di poter esprimere è soprattutto la genesi del colore, quello stato ambivalente della visione in cui sono racchiuse diverse possibilità, il figurabile e l’astratto, il materico e l’evanescente, la stratificazione e il vuoto, la memoria e lo slancio verso il divenire dello spazio.

2. Intorno al colore, i sensi del vedere (1994-1996)

D’altro lato, Cioffi ama profondamente anche la dilatazione che può suggerire la dimensione orizzontale, vale a dire il riposo del colore, l’estensione prolungata dello sguardo entro campi di luce che velano e rivelano le visioni sottostanti, il movimento nascosto delle forme, il fluire visibile e invisibile che accompagna le emozioni del colore.

Intorno al blu, al rosso, al giallo sono indicazioni di opere dipinte tra il 1994 e il 1995, magiche campiture che si affidano al potere di un solo colore, alla sua capacità di aprire gli occhi dell’osservatore verso una complessità di mutazioni luminose.

Si tratta di  tele in cui il racconto cromatico si amplifica, occupa ampie misure, costruisce cadenze ritmiche legate alla presenza del gesto, al sovrapporsi delle pennellate che lasciano affiorare la luce sottostante, in un andare  e venire del colore che trattiene la memoria di altri colori, di altre luci, di nuove soglie percettive.

L’opera più interessante che Cioffi dipinge in questi anni, certo la superficie più impegnativa, per misura e concezione cromatica, si titola “Intorno al blu”, oltre cinque metri di base per quasi due di altezza: un’immersione continua nella vastità di una pittura apparentemente monocroma, in realtà nutrita di molteplici umori, di variazioni che dall’intensità del blu conducono verso la purezza della luce bianca. L’impressione è quella di un percorso che dalla misura calcolata del gesto pittorico procede verso la sua purificazione, un processo di lettura durante il quale si avvertono non solo le vibrazioni del colore ma soprattutto il desiderio di far convivere diverse temperature, dal caldo al freddo, dal sensuale al mentale, dal fisico all’immateriale, dal luogo circoscritto a quello dilatato oltre se stesso.

Al di là di queste opposizioni dialettiche sta un diverso senso della luce che in alcuni punti si afferma fuori dello stato di vibrazione, come una zona incandescente di bianco, di puro bagliore diffuso.

Il trattamento della superficie cambia in rapporto al ritmo delle pennellate, ora veloci ed intese ora più lente e dilatate, come un respiro di cui si avvertono le inquietudini. A sostenere questo differente nutrimento della superficie sta la coscienza del fatto tecnico, la scelta di soluzioni commisurate ad esiti diversi, per esempio l’uso della tecnica all’uovo oppure quello della tempera grassa che da particolari  consistenze al colore.

Nella ricerca di queste opere dedicate al mistero del blu, al calore del rosso e alla vitalità del giallo, Cioffi esprime il passaggio dalla costruttività del gesto alla sua vaporizzazione, una relazione che gioca sempre tra pensiero ed emozione, verso quel difficile equilibrio che l’arte astratta incontra quando non si dà come vuota categoria stilistica ma come ricerca di energia visiva allo stato puro.

Non è possibile infatti escludere il piano emozionale da una pittura che vuole essere percezione di un incanto, estasi materialistica, pronunciamento di una visione “primale”, dunque affermazione di se stessa la di fuori delle regole convenzionali del dipingere.

Un particolare significato riveste il termine “intorno al” che Cioffi usa nei titoli di queste tele, rifiutando l’allusione letteraria per indicare piuttosto campi cromatici, corpi pittorici, superfici odorose di pigmento che trasmettono suoni, vibrazioni, stati di vertigine del dipingere. L’artista non ama titolazioni ambigue, evocazioni mitologiche, rimandi ad altri universi di discorso, preferisce stabilire con la pittura un rapporto concentrato sull’essenzialità del colore anche se, come vedremo più avanti, certe memorie dell’infanzia possono riemergere come origine di nuove suggestioni percettive.

Torniamo alle opere dedicate ad un solo colore, l’intenzione è di sperimentare l’immagine attraverso diversi orientamenti cromatici, non si tratta mai di stabilire regole ferree, è piuttosto auspicabile slittare dal seminato, affrontare l’imprevedibile, inventare.

In un gruppo di tempere di questo periodo lo spazio della tela non funziona più come una partitura cromatica ma acquista il valore di una pagina toccata da scie veloci, segni luminosi, effetti di bianco che attraversano lo spazio dall’alto verso il basso, come se il corpo della luce agisse per brevi attimi, fiamma che cancella se stessa.

Da un massimo di intensità ad un minimo di tensione: il fuoco di queste forme fuggevoli non è solo questione di ottica, esso coinvolge il modo stesso di produrre visione,  per far sentire il lettore partecipe dell’atmosfera che anima lo spazio e lo rende concreto e  vitale.

Non v’è nulla di didattico in questo processo di coinvolgimento, è una tentazione spontanea di cui la visione sensoriale del colore non può fare a meno, anche quando la pittura privilegia l’aspetto mentale del fare pittura,  l’analisi e la costruzione del linguaggio.

Cioffi ama immergersi nei sensi del vedere, non insegue fatue logiche concettuali che vorrebbero allontanare l’arte da emozioni e spaesamenti,  da miraggi di luce e sorgenti di mistero.

Consapevole che il lavoro della pittura non ha senso al di fuori delle sue tracce sensibili, l’artista scruta ulteriori spazi di visibilità, riflette sulla formazione del suo gusto pittorico, crea una sintesi dei modi di dipingere su cui s’è esercitato, giorno dopo giorno.

Siamo nel 1996, anno in cui nascono alcuni dittici che allontanano la pittura dalla monocromia dei blu, dei rossi e dei gialli per istituire un rapporto dialettico che riguarda non solo le scelte cromatiche.

(bianco-nero, nero-giallo, giallo-blu, rosso-nero) ma soprattutto la relazione tra il valore ritmico della pennellata o la stesura compatta.

Questa fase di lavoro si pone come una zona neutra, una sorta di pausa, di meditazione sul senso del dipingere, Cioffi sembra  dominato da uno stato d’animo in cui le cose che affiorano sono le medesime che si vorrebbero cancellare.

Tutto sta sullo stesso piano: il gesto e il suo superamento, il colore statico e il desiderio di muovere la superficie, il concreto e l’impalpabile. In una tela che porta il nome di “Iris” l’idea del dittico abbina alla contrapposizione del colore l’opposizione del ritmo delle pennellate, verticali da un lato e orizzontali dall’altro.

3. Prospettive irregolari, colore come luce interiore (1997-2001)

Anche se Cioffi non ama legare il suo lavoro ad eventi autobiografici c’è un episodio che merita attenzione perché acquista nel suo universo percettivo la funzione di una folgorazione, il senso di un felice condizionamento dell’immaginazione.

“Ricordo l’effetto ottico che si creava quando si accendeva la televisione, quella luce bianca che cresceva all’interno dello schermo: la serie dei dipinti denominata ‘video’ è scaturita da quell’esperienza che è rimasta impressa nella mia infanzia”.

E’ strano per un pittore come Cioffi essere ispirato da una luce tecnologica, da un bagliore meccanico, da una vibrazione che sembra differente dalla qualità della visione pittorica. In effetti la pittura  cresce oltre misura, ben al di là di quel punto bianco che avanza verso lo spettatore fino ad aprire il racconto delle immagini televisive.

Eppure, da questo pretesto visivo l’artista elabora un significativo ciclo di lavoro che trae dal minimo impulso il massimo effetto del colore, congiungendo la memoria del vissuto con il mistero di un altro ordine percettivo.

Intorno al punto di luce originario, che si colloca quasi sempre al centro della tela, Cioffi ricrea le sensazioni visive che portano al lento svelarsi della luce dentro il perimetro del colore.  Il chiarore si mescola all’ombra, la pennellata rinuncia al gesto, si assesta sulla misura calibrata di una geometria vaga, eppure presente, infine costruisce e definisce il fondo della tela come zona di risonanza e di dissolvenza dell’immagine.

In queste opere emerge il valore energetico del giallo che esprime una forza totale ma è sempre la magia purissima del bianco ad affascinare la sensibilità del pittore, a porsi come assoluto valore luminoso verso il quale convergono tutti gli altri sensi cromatici.

Il quadrato nel quadrato è indagato in tutte le possibili declinazioni, i profili delle forme sono talvolta netti, in altri casi il contorno sfuma nello sfondo oppure fa convivere una zona superiore ben delineata  e una sottostante dove il pigmento è sgranato.

Del resto, da Malevich ad Albers, la storia del quadrato non lascia spazi di invenzione se non nel valore della materia che si qualifica di fronte al pretesto visivo della geometria. Tutti i pittori contemporanei che hanno fatto l’elogio del quadrato sono usciti sfiniti dal confronto con questo luogo talmente preciso da risultare carico di effetti smisurati. Non per questo, la visione che nasce dal quadrato ha smarrito le sue ragioni d’essere: luogo di luce, icona dell’assenza, dimora originaria, spazio del silenzio, metafora della perfezione.

La fissità della serie “video” si spezza, siamo nel 1998, la ricerca di Cioffi si modifica e prende nuove direzioni, continua a costruire la propria ipotesi spaziale all’interno di uno schema ben strutturato ma il peso delle forme e dei colori acquista un andamento irregolare che sembra muovere il piano verso la terza dimensione.

Questo movimento di torsione dell’impianto geometrico permette di proiettare lo spazio verso una diversa coscienza dell’istinto prospettico che da questo momento si impadronisce del pittore facendogli immaginare slanci sospesi nel vuoto, elementi di fuga che sbilanciano l’equilibrio da una parte o dall’altra, tutto dipende dal punto di vista.

L’assetto di queste prospettive è imprevedibile, la logica è puramente intuitiva, la direzione è spesso trasversale pur muovendosi da un punto centrale che costituisce il perno per l’azione dell’occhio.

Il vuoto in cui si articolano questi frammenti prospettici acquista peso, durata, luminosità: è un vuoto nutrito di colore monocromo, sono sempre il giallo, il blu e il rosso i colori a dominare. Le loro risonanze si dilatano e la sensazione è la distribuzione di un’energia luminosa che da un breve frammento di prospettiva interiore si espande tutt’intorno, come se l’interno coincidesse con l’esterno.

In queste opere Cioffi cerca la saturazione cromatica, la totalità dell’immagine,  la pienezza percettiva, egli inoltre persegue quella lontananza dalle forme del reale che è la ragione stessa del dipingere.

“Come non accorgersi che è immagine solo ciò che cessa di somigliare?” ha scritto Claudio Olivieri, pittore che Cioffi ama profondamente, come del resto è ugualmente affascinato dalle risonanze interiori suggerite da Mario Raciti quando invita a ritrovare se stessi “nell’eco dei sogni primordiali”.

Queste frequentazioni di pittura e pittori sono un nutrimento necessario all’identità di ricerca, allo spazio che il pittore edifica davanti a se, sulla tela, come varco da superare, materia da respirare, forma interiore da coltivare sul filo della coscienza.

Ma la coscienza è anche quella dei mezzi: l’uso tagliente delle linee di demarcazione di determinate campiture suggerisce tensioni strutturali che spingono lo sguardo oltre il limite, oppure dentro un altro spazio, o ancora verso un altrove possibile, in un gioco di rimandi che diventa interminabile, e Cioffi non teme l’avventura infinita del colore.

L’intuizione prospettica fissata in queste opere svanisce a mano a mano identificandosi nella purezza assoluta della luce, cosi’ che molti titoli dell’ultimo biennio parlano semplicemente di luce interiore: la struttura geometrica perde la visibilità del perimetro, le linee sono smaterializzate dal colore-luce.

La visione è qualcosa che prepara alla visione stessa della pittura, è lo spazio in cui le forme si intravvedono, è la pausa che permette all’artista di interrogarsi sul cammino che sta facendo, riconquistando una diversa coscienza del procedimento cromatico.

Alcune tele di questo periodo possono essere definite “pure presenze” che Cioffi dipinge senza far sentire il gesto della pittura, come se la luce provenisse dalla fibra interna del colore fino a depositarsi in modo impalpabile sulla superficie.

Tali presenze vivono in relazione a quel silenzio e a quella meditazione che il pittore chiede a se stesso fin dall’inizio, una condizione costitutiva perchè il colore possa fluire attraverso attimi di lenta rivelazione, senza che nulla sia preordinato.

Nell’ambivalenza tra la visione strutturata dello spazio e la percezione del colore interiore Cioffi sente la pittura come armonia di forme ormai prive di margini, vaghe e divaganti, guidate da una leggerezza che avviene entro le trasparenze ma anche attraverso le penombre, le oscurità splendenti, il soffio sfumato del nero.

In tal modo la geometria abbandona il campo, la pittura diventa icona di luce, volto dell’anima- come recita il titolo di una delle ultime opere del 2000. Si tratta di un volto difficile da rappresentare almeno quanto lo è l’idea di anima che Cioffi sfiora, ben sapendo che si tratta solo di un’aspirazione verso il non conosciuto, il non rappresentabile, l’incommensurabile.

Quello che conta è che la metafora dell’anima si riconduca ogni volta al corpo del colore, alla verità della luce fisica e abbagliante che Cioffi considera come l’unico tramite verso l’interiorità: un cammino sensoriale e mentale che cresce come esercizio di affinamento del vedere che il pittore insegue e continuamente sogna.